مصاحبه با Von Glitschka طراح مطرح وکتور و مولف کتاب هایی در زمینه گرافیک وکتور

شما خود را طراح روشنگر یا گویا نامیده اید، منظور شما از آن چیست؟

حرفه من یعنی طراحی شاخه های گوناگونی دارد. در چارچوب طراحی من همیشه مهارت های طراحی را قوی ترین راه حل برای مشکلات بصری قلمداد می کنم، یعنی استفاده از گرافیک های نقاشی محور. پس از کار کردن برای دیگران به مدت 15 سال، در سال 2002 از این حیطه خارج شدم و به عنوان یک بمب خلاق به سرعت پیشرفت کرده و شروع به کار برای آژانس های دیگر کردم و همچنان به ارائه راه حل های گویای بصری در زمینه طراحی پروژهه ای مشتریانم ادامه دادم.
اکثر کسانی که کار طراحی انجام می دهند ترجیح می دهند مرا یک نقاش صورت گر فرض کنند و کسانی که نقاشی می کنند مرا طراح می نامند. بنابراین تصمیم گرفتم عنوان "طراح روشنگر" برای خودم انتخاب کنم چون این عبارت کاری که انجام می دهم را توضیح می دهد. این همچنین مرا عقاید مرا تقویت می کند که طراحان چه بخواهند چه نخواهند باید برای تبدیل شدن به یک طراح برجسته نقاشی کنند.

شکی نیست که شما یک طراح موفق هستید، در عین حال برای تالیف کتاب های طراحی نیز شهرت دارید. لطفا بگویید کدام یک از کتاب های شما به طراحان مبتدی کمک می کند در این زمینه به درجه بالایی دست پیدا کنند. آیا قصد دارید کتاب های/آموزش های بیشتری بنویسید؟
کتاب هایی که من برای HOW Books تالیف کرده ام، کتاب های مرجع طراحی هستند که بافت ها، پترن ها و گرافیک های تزیینی را در اختیار طراحان قرار می دهند. از این کتاب ها می توان برای ایده گرفتن نیز استفاده کرد چون حاوی آثار هنری مختلفی و خلاقانه ای هستند.
من کتاب دیگری با نام "Vector Basic Training" تالیف کرده ام که فرایند خلاقیتی را که من به کار می برم و چگونگی خلق آثار هنری دیجیتال در اشکال وکتور را تحت پوشش قرار می دهد.
من فقط یکی از پروژه های تالیف کتابم را کنسل کردم چون در حال همکاری با Lynda.com بودم تا مطالبم را روی این سایت ارتقا دهم. این یک چارچوب خوب برای من است. من قصد دارم از یک کارگردان و تهیه کننده برای ساخت یک ویدئو با موضوع طراحی و نقاشی دعوت به همکاری کنم در غیر این صورت در مورد آن کتاب می نویسم.


شما با ترفندهای بساری زیادی آشنا هستید که طراحی گرافیک های وکتور را آسان تر می کند. لطفا برای ما در مورد مفیدترین آن ترفندها، از دید خودتان، صحبت کنید.

توضیح این موضوع با کلمات کمی سخت است، اما در گرافیک برداری به طور خلاصه آمده که؛ تصمیم گیری شما برای تعیین محل قرارگیری نقاط ثقل. چون هیچ کس واقعا این را نیاموخته و من با تدریس به دانش آموزش برای این که چگونه از یک نقاشی آنالوگ به اجرای با دقت ایده های خود در شکل دیجیتال برسند، به روش The Clockwork Method دست پیدا کردم تا به آنها کمک کنم تشخیص دهند هنگام طراحی اشکال وکتور نقاط ثقل را کجا قرار دهند.
همه این ها مربوط است به نگاه کردن به فرم شکل نقاشی شده ای که باید طراح کنید و استفاده از ترفندهای ذهنی ارتباط یک ساعت با منحنی به منظور تشخیص جایی که نقاط ثقل برای ساخته شدن یک شکل باید قرار گیرند. تصویری که در زی مشاهده می کنید گویای مطلبی که گفتم می باشد. البته کتاب "Vector Basic Training" من این مطلب را به صورت جامع پوشش می دهد.

از چه پلاگین یا دستوراتی (اکشن) برای افزایش میزان کارایی و بهره وری خود استفاده می کنید؟

پلاگین VectorScribe Studio برای Adobe Illustrator بسیار مفید است. این پلاگین باعث می شود به میزان زیادی در زمان صرفه جویی شود و این امکان را فراهم می کند تا به سادگی از پس کارهایی که نمی توانید با ایلوستریتور انجام دهید برآیید. به عبارت دیگر با فرایندی که من به شما یاد می دهم به هیچ پلاگینی نیاز پیدا نخواهید کرد، فقط کارتان سریع تر انجام می شود. AstuteGraphics.com دارای تعداد زیادی ویدئو است که می توانید این فرایند را در عمل مشاهده کنید.

من همچنین دستورات دست نویسی برای خودم دارم که توسط یک فرد حرفه ای که در شرکت ماکروسافت کار می کند نوشته شده است. یکی همه لایه های مرا گرفت و آنها را به عنوان فایل های Ai مجزا وارد ایلوستریتور کرد، یک نفر دیگر آنها را به عنوان فایل های PDF مجزا صادر کرد. من دائما از آنها در پروژه های خودم استفاده می کنم.

شما در بعضی از طراحی های خود از بافت استفاده کرده اید. من مطلع هستم که خلق بافت های وکتور کار مورد علاقه شما است. لطفا در مورد فرایند خلق این بافت ها و ادغام آنها با آثار هنری وکتور توضیح بیشتری بدهید.

جذاب ترین چیز در مورد بافت ها این است که هیچ وقت حالت و سبک خود را از دست نمی دهند. قانون دوم پویایی همیشه وجود خواهد داشت بنابراین در یک بافت با سطح برجسته که رد حال حاضر وجود دارد شبیه بافتی خواهد بود که در 200 سال دیگر وجود خواهد داشت. پس در این رابطه استفاده از بافت خلاقانه و منحصر به فرد است زیرا بسیاری از هنرها (مخصوصا هنرهای تجاری) سریعا قدیمی می شوند.
من در آرشیو شخصی در حال رشد خودم یک کلکسیون بافت دارم. اگر بخواهم یک طرح مبتنی بر وکتور ترسیم کنم ترجیح می دهم در فتوشاپ یک بافت به آن اضافه کنم، این کار سریع تر انجام می شود و هنری تر نیز خواهد بود. Ai برای طراحی کردن مناسب است اما زمانی که نوبت به اضافه کردن بافت می رسد فتوشاپ گزینه برتر است. اگر شما طرح خود را به عنوان یک smart object وارد کنید می توانید در صورت لزوم تغییرات لازم را روی آن اعمال کنید. تنها مسئله این است که آن دیگر فایل وکتور اصلی نخواهد بود، و این جایی است که شرکت ادوبی در مورد نرم افزارهای خود خست به خرج داده است. باید بتوان به فایل وکتور اصلی متصل یا لینک شد اما این طور نیست. بنابراین smart object در واقع آن smart نیست و شرکت ادوبی می بایست این ویژگی را اصلاح کند.

متاسفانه، مطالعات اخیر صرفا به جنبهه ای فنی و تکنیکی محدود شده است. نتیجتا ما طراحانی خواهیم داشت که شما به آنها "Tooler" (ابزاری) می گویید. فکر می کنیدممکن است که به یک نفر یاد داد چگونه در اموزش های آنلاین خلاق باشد، یا هنوز به آموزش های آکادمیک نیاز دارید؟ آیا آموزش می دهید چگونه خلق کنند؟

نقل قول شما از من کمی اشتباه بود، طراحان در کل ابزاری نیستند. تعریف من از یک "Tooler" می تواند با خواندن یکی از فصل های کتاب من بهتر درک و فهمیده شود.
من با آموزش های آنلاین مشکلی ندارم اما فکر نمی کنم این امر ممکن باشد که همه جنبه های خلاقیت را با انجام روش های گام به گام شکوفا کرد. کارهای اکتشافی یا اکتسابی زمان زیادی می طلبد، مثل رنگ آمیزی یک طرح. ممکن است شما برای انجام این کار سه مرحله را طی کنید و پس از ان کشف کنید که این فرایند مناسب نیست و دو مرحله به عقب برگردید و یک روش دیگر ا امتحان کنید تا به راه حل مطلوب دست پیدا کنید. این طبیعی است اما نویسنده یک آموزش آنلاین هیچ وقت فرایند نهایی را در آموزش وارد می کند.

اگر چه ارائه آموزش در مورد "چگونه یک توپ طراحی کنیم " خوب و مفید است اما در واقع فرایند خلاقیت را تحت پوشش خود قرار نیم دهد، به نظر من آموزش های آکادمیک رشته های هنری هنوز نیاز هست اما به این ترتیب فقط روی ابزارها تمرکز می شود نه روی هنر به عنوان یک اصل. وقتی من به مدرسه هنر رفتم آنها انتظار داشتند همه طراحان نقاشی و طراحی کنند، خواهی نخواهی آنها می خواستند به یک طراح تبدیل شوند. در حال حاضر اکثر مدارس طراحی این کار را انجام نمی دهند و این جزئی از مشکل و دلیل این است که چرا طراحی حاشیه ای در صنعت ما متداول شده است.


شما نمی توانید خلاق بودن را به کسی یاد بدهید، این کار نیاز به شوق و علاقه دارد. با این حال شما می توانید روش های عملی و مهارت هایی را که با روند کار سازگار هستند را به آنها آموزش دهید. این کار مهارت هایی را به طراح یاد می دهد که به طور مداوم می تواند از آنها استفاده کرده و با بالا رفتن سن آنها را بهبود ببخشد و مفاهیم بسیار خوبی تولید کند. هنگامی که این کار را انجام دهید آتش را روشن کرده اید و سوخت عشق و شور و هیجان را تامین کرده اید و این یک خودانگیزی برای ماشین خلاقیت شما خواهد بود. آنها آنچه را که برای خلق شدن و پیشرفت لازم است دارند. 

آیا با نقض قوانین کپی رایت مبارزه می کنید؟ آیا تجربه مثبتی در این زمینه دارید، آیا غرامتی در این زمینه دریافت کرده اید؟ چه توصیه ای برای کسانی که با این وضعیت روبرو شده اند دارید؟ چطور می فهمید که یکی از کارهایتان به سرقت رفته است؟

همیشه نقض قانون کپی رایت در مورد کارهای من اجرا می شود. به طور میانگین حداقل ماهی یک بار. سال گذشته این اتفاق 55 بار افتاد. دو سال قبل از مقدار 70 بود. سال گذشته در دو مورد مجبور شدم وکیل بگیرم اما هنوز با آنها دچار کشمکش هستیم چون باز هم دست از تجاوز و سرقت برنداشته اند.
سال گذشته یک کمپانی از طرح جمجمه ای که من برای لوگوی آنها طراحی کرده بودم روی وب سایت، خط تولید، لباس ها، بنرها و برچسب های خود استفاده می کردند. من یک نامه DMCA آماده کرده و تمام تخلفات را به صورت مستند برای وکیل قانونی شرکت ها ارسال کردم و ذکر کردم که "در صورتی که مبلغی که را که بعدا خواهم گفت پرداخت کنید به شما اجازه می دهم از هنر من استفاده کنید. در غیر این صورت این مسئله را از طریق قانون نقض کپی رایت دنبال خواهم کرد". وکیل شرکت با من تماس گرفت و گفت "این پیشنهاد از نظر من منصفانه است." و آنها صورتحساب را پرداخت کردند. با این مبلغ توانستم همه تجهیزات لازم برای راه اندازی یک فروشگاه لوازم سفر را تهیه کنم بنابراین این موضوع به نفع من تمام شد.
من اکثرا به وسیله افراد دیگر از به سرقت رفتن آثارم با خبر می شوم. چند سال قبل وظیفه قضاوت و داوری Logo Lounge V book را به عهده داشتم اینجا بود که باید در مورد دو تا از لوگوهایی که خودم طراحی کرده بودم و توسط طراحان دیگری ارائه شده بود قضاوت می کردم. من با یک خانم تماس گرفتم، او لوگو را در سایت خود هم قرار داده بود، او گفت "من مطمئن نیستم آن را از کجا پیدا کرده ام". من در جواب گفتم "این کار را سخت می کند خانم، شما طرح را پیدا نکرده اید، شما آن را طراحی کرده اید". به نظر من او یک طراح تازه فارغ التحصیل بود که معتقد بود چرا طراحان باید طراحی کنند.

درست است که درآمد طراحی یک منبع درآمد خوب برای طراحان است؟ آیا تجربه مشابهی دارید؟ شما چه وب سایت هایی را به ما معرفی می کنید؟

وب سایت هایی مثل Zazzle.com و ... وب سایت هایی هستند که من به آنها قهوه پول می گویم. من به مبالغی که آنها پرداخت می کنند وابسته نیستم. من از این پول برای خرید فونت و یا لوازمی که عادت به خرید آنها دارم استفاده می کنم.
من Zazzle.com را دوست دارم، انها همیشه کارهای خوبی برای من انجام می دهند. من همچنین کار کردن با آنها در سطح طراحی برای مشتری را دوست دارم بنابراین مردم پشت برند را نیز می شناسم. این یک راه آسان برای ارائه تی شرت ها و دیگر آیتم های جذاب به مردم است و به طور میانگین شما می توانید هر ماه مقدار قابل توجهی پول به دست آورید.
من شخصا هرگز برای سایت iStockphoto.com طراحی نکردم، دستمزدی که آنها پرداخت می کنند کمتر از حد معمول است. من سعی می کنم کاری را انجام دهم که ارزش انجام دادن داشته باشد.
من سه قطعه هنری را آپلود کردم. یکی از آنها رد شد چون ناظران آنها معتقد بودند که کار من نیست؟ از من خواستند کار دوم را باز طراحی کنم و این بار از ترکیب اشکال استفاده نکم؟ و طرح آخر تایید شد. اثر تایید شده سر یک ببر بود که آن را به مدت 7 سال روی سایت خود به فروش گذاشتند و 116.28 دلار از فروش این اثر کسب کردم. اما سایت Getty این کار را ادامه داده است چون پول هنرمندان را نمی پردازد.
بنابراین اختصاص دادن زمان برای طراحی برای چنین سایتی اصلا به صرفه نیست و من از انجام دادن چنین کارهای اجتناب می کنم. من از معتقدان پر و پا قرص این هستم که طراحان باید کنترل هوشمندانه و خلاقانه ای روی آثار خود و محل هایی که آثار خود را قرار می دهند داشته باشند.

تکنیک ها یا ابزارهای وجود دارد که در Adobe Illustrator استفاده نکرده باشید؟ این تکنیک ها و ابزارها را نام ببرید و توضیح دهید چرا از آنها استفاده نمی کنید؟ به نظر می رسد که شما از ابزارهای Blend و Gradient Mesh استفاده نمی کنید.

ابزارهای gradient و blend استفاده می کنم. فقط در طراحی لوگو زیاد آنها را به کار نمی برم ولی در هر پروژه طراحی این کار را انجام می دهم. طراحی یعنی اجرای سبک بنابراین نمی خواهم آن را به عنوان یک سبک معرفی کنم.
Gradient Mesh ابزار خوبی است، من فقط در جاهایی که به آن نیاز نیست از این ابزار استفاده نمی کنم. اگر چیزی مثل یک عکس واقعی بخواهم برای این کار از ابزارهای سه بعدی استفاده می کنم، نتیجه ای که به دست می آورم انعطاف پذیری بیشتری نسبت به چیزی است که Ai ارائه می کند.

شما تجارب زیادی در زمینه طراحی لوگو دارید. آیا لوگویی دارید، بر اساس طبقه بندی خود، بتوان آن را یک "طرح فوق العاده " نامید؟

به نظر من عباراتی مثل "فوق العاده" نسبی هستند. البته من طرح های مورد علاقه خود را دارم، اما طراحی های من برای ارائه به یک مخاطب هدف است بنابراین گرافیک ها برای واگذاری مناسب اند. من همیشه سعی می کنم چیزی شبیه آنچه فکر می کنم طراحی کنم. همیشه طرح مورد علاقه من آخرین کارم است، فقط به این خاطر که پس از یک مدت خستگی می توانم از کار جدیدم لذت ببرم.

در حال حاضر مشغول انجام چه پروژه ای هستید؟ احساس می کنید در کدام یک از رشته های طراحی راحت تر هستید؟

همه پترن های جدید که در ورژن CS6 ایلوستریتور وجود دارد را من برای شرکت Adobe طراحی کردم. در حال حاضر در حال طراحی 4 پترن دست ساز سفارشی دیگر هستم که روی کیف های دستی طراح که به شرکت کنندگان کنفرانس HOW Design که در بستون برگزار می شود ارائه می شود طراحی شده است. به تازگی هم کار طراحی آیکون برای US Marine Corps را تکمیل کردم.
من امتحان کردن چیزهای جدید را دوست دارم حتی فکر می کنم عاشق طراحی وکتور هستم هنوز هم برای نقاشی کردن اشیا وقت می گذارم و خلاقیتم را در آن بیان می کنم. رد حقیقت همه آثار هنری وکتور من قبل از اینکه طراحی شوند به صورت دستی نقاشی می شوند.

چه چیزی به شما کمک می کند تا طراحی کنید؟

اگر در حال نقاشی کردن یا طراحی وکتور باشم نوشیدن یک فنجان قهوه در صبح را دوست دارم، اگر در حای و هوای تجسم یک طرح باشم شنیدن موسیقی ملایم و یک کتاب صوتی خوب کمک شایانی به من می کند.

از اینکه در این مصاحبه شرکت کردید از شما ممنونم. چه توصیه ای برای کسانی که اولین گام های خود را در زمینه طراحی وکتور بر می دارند دارید؟

بهترین راه برای اینکه بتوانید طراحی های خود را ارتقاء دهید این است که مهارت های نقاشی و طراحی خود را بهبود ببخشید. تمرین بیشتر مساوی است با دست یابی به نتایج بهتر.